Personnage cryptique et controverse, l’artiste britannique John Latham (1921–2006) manifestait une méfiance assumée à l’égard des livres : il leur reprochait de figer la connaissance dans une forme définitive. Ses performances au cours desquelles il les découpait, les remplissait de mousse polyuréthane, voire même les brûlait, ne l’ont pourtant pas empêché d’en produire. Publier un recueil de textes autour de John Latham s’avère finalement cohérent face aux contradictions inhérentes à sa pratique. Cet ouvrage est le premier en français consacré à son travail. Il rassemble une sélection d’écrits de l’artiste, ainsi que ceux d’autres auteurs à son sujet. Ils sont accompagnés des versions originales des textes anglais et d’un glossaire visant à éclairer un champ lexical propre à Latham, composé de termes qui, selon lui, « existent depuis longtemps mais ne se sont pas manifestés dans le langage pour la simple et bonne raison que c’est le langage même qui fait défaut… ».
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Couverture : John Latham, Jeffrey Shaw et Jeffrey Sawtell, Book Plumbing, avril 1967, photographie noir et blanc de l’un des quatre événements ayant eu lieu dans la cave de la librairie Better Books à Londres.
Photo : Jennifer Pike – (c) John Latham Foundation
Ouvrage publié à l’occasion de l’exposition Fabriques de contre-savoirs , 9 novembre 2018 – 10 février 2019, 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine, Metz
Conception et coordination: Colette Angeli, Fanny Gonella ; auteurs : Michael Corris, Fanny Gonella, Antony Hudek & Athanasios Velios, Jakob Jakobsen, John Latham, John A. Walker
Traduction : Alexandra Bigaignon, Agnès Clerc ; Révision : Lorane Marois
Design graphique : Tiphaine Lacroix ; Impression et reliure : Imprimerie Chirat, Lyon
Édité par le 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine ; distribué par les Presses du Réel

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Exposition Fabriques de contre-savoirs

Aurélie de Heinzelin présente à l’occasion de son exposition dans l’espace Degrés Est, l’édition 23 mains à contre-jour. Reprenant l’ensemble de la série exposée Mains à contre-jour, composée de 22 dessins au pastel sec sur papier, l’édition est un poster à déplier soi-même. Plié, le poster prend la forme d’un livre aux pages blanches.
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Graphisme : Maud Guerche
Marquage : Atelier Bulk
Impression et façonnage : Alliance Partenaires Graphiques

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_{Aurélie de Heinzelin (née en 1980 à Rouen, vit et travaille à Strasbourg) est diplômée de la HEAR de Strasbourg ainsi que l’université de Rouen où elle a effectué un Mastère en littérature. Invitée par le Frac Alsace, l’artiste présente pour la sixième occurrence de Degrés Est un projet in situ et revisite le thème du gisant.}

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Exposition Degrés Est

Produite à l’occasion du projet Degrés Est de Paul Heintz (2021), l’édition est un carnet de citations ouvert aux notes.
Les phrases sont issues du projet « CHARACTER », film et livre dans lesquels Paul Heintz met en scène l’infiltration de la fiction dans le réel. L’artiste y retranscrit la rencontre de plusieurs Winston Smith, homonymes du célèbre héros orwellien du livre 1984, interrogeant les ressorts d’une enquête liant texte dystopique et relations humaines.

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_{Le terrain d’exercice de Paul Heintz (*1989, Saint-Avold) pourrait être celui d’un enquêteur. Combinant la fiction au réel, l’image mentale au document d’archive, l’artiste travaille l’installation, le film, l’œuvre sonore… dans lesquelles les normes sociales sont chahutées. Diplômé des Beaux-Arts de Nancy et des Arts Décoratifs de Paris, Paul Heintz, invité par Fanny Gonella comme septième occurrence de « Degrés Est », présente un projet dont la forme est le récit d’investigation.}

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Exposition Degrés Est

Les artistes et chercheuses Cynthia Montier et Sophie Prinssen se servent du vocabulaire de la magie comme levier pour favoriser l’expression de chacun et chacune.

Cette édition prolonge leurs recherches menées aux urgences de l’Hôpital Robert-Pax de Sarreguemines en mars 2021. Dans le cadre du projet Activismes Ésotériques accueilli en résidence au 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine, elles ont été invitées à réaliser un projet avec les soignantes et soignants de cet hôpital, questionnant les liens entre soin, corps et pouvoir. Après avoir recueilli les récits des urgentistes, les artistes ont imaginé un corpus de talismans et amulettes textiles, incarnant le soin et la force, destinés à parer les blouses médicales. Les soignantes et soignants ont revêtu ces blouses comme des parures de force, et se sont réuni.es, dans une performance collective au sein des urgences.

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_{Cette édition est produite par le 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine dans le cadre du workshop et de la performance Parures Guerrières Armures de Soin réalisée par Cynthia Montier & Sophie Prinssen, mise en œuvre avec les urgentistes et avec la complicité d’Emmanuelle Séris.}

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© Frac Lorraine et les artistes, 2021, tous droits réservés

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Exposition Degrés Est

En 2020–2021, des résidences d’artistes, des ateliers, des conférences, des expositions, des soirées de projections, des concerts se sont déroulés dans le cadre d’une coopération entre le réseau des 3 FRAC du Grand Est et les lycées agricoles de cette région. Les projets ont été réunis sous le titre Ecotopia.

Le dessinateur Jean Chauvelot a suivi l’intégralité du projet pendant cinq mois, développant une bande dessinée au contact des enseignant·es, des élèves et des étudiant·es. Se mettant ici en scène tel un personnage curieux, il pointe des réalités très concrètes et des questions du quotidien, des rencontres pleines d’interrogation et de curiosité pour la figure, parfois énigmatique, de l’artiste.

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© Les 3 Frac du Grand Est, DRAC Grand Est, DRAAF Grand Est, 2021, tous droits réservés

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Jean Chauvelot

Le catalogue introduit Amos’ World (Le monde d’Amos), fiction sous forme de série télévisuelle qui raconte le destin d’un grand ensemble (bâtiment collectif à usage d’habitation), de son architecte Amos et des habitants de l’édifice. Le récit est présenté au sein d’une installation filmique en trois parties, brouillant les repères entre la réalité et ses simulations.Conçue par Cécile B. Evans elle-même, la publication contient les textes originaux des scripts, des essais expérimentaux et une fan-fiction d’Amos’ World.

_{Publié à l’occasion des expositions éponymes présentées au mumok, Vienne (2018), MADRE, Naples (2019), Museum Abteiberg, Mönchengladbach (2019) et 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine, Metz (2020).}

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Exposition Amo’s World Cécile B. Evans

Thomas Schmahl présente à l’occasion de son exposition dans l’espace Degrés Est (23.07.20 – 24.01.21) un vinyle réalisé en édition limitée, « Les bandes blanches (The White Stripes) ». Ces airs d’autoroute composés par l’artiste associent paysages sonores étirés et chanson populaire, à l’image de ces lieux en apparence standardisés.
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Auteur – Compositeur : Thomas Schmahl
Mixage – mastering : Mattéo Caburet
Visuel : Thomas Schmahl & Seul Kim
Graphisme : Seul Kim
4 courts textes écrits par Zoé Cosson constituen une 9è chanson.

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_{Thomas Schmahl (né en 1994 à Annecy, vit et travaille à Reims) est diplômé de l’ESAD de Reims. Son travail s’intéresse à l’anecdotique, la carence, l’instable. L’artiste propose des situations ou installations dans lesquelles le récit et les protagonistes évoquent souvent un ailleurs}

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Exposition Degrés Est

Avec Estelle Chrétien, Clara Denidet, Carolina Fonseca, Princia Itoua, François Martig, Marianne Mispelaëre, Juliette Mock, Aurélie Pertusot, Émilie Pierson et Marina Smorodinova

L’édition ‘Et maintenant’ représente la deuxième étape d’une résidence, commencée en ligne lors du confinement d’avril 2020, afin d’apporter un soutien artistique et financier à 10 artistes du Grand Est. Que signifie être artiste dans le contexte d’aujourd’hui ? Comment se construit le travail au quotidien quand les possibilités d’expositions se réduisent ? Est-il possible d’être productif quand les perspectives sont incertaines ? Où continuer à trouver des sources de motivation ?
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Les artistes ont été invité.es à répondre à ces questions et à partager avec vous leurs recherches et leurs expérimentations liées à cette période si particulière que nous traversons. De l’intérêt pour le cosmos, le langage, le groupe, le lien avec l’autre, l’espace extérieur ou encore le jeu, les préoccupations des artistes se recoupent et résonnent avec la distance sociale imposée.
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Design graphique : Futur Neue & Mattéo Venet
© Frac Lorraine et les artistes, 2020, tous droits réservés

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Silvi Simon, qui a inauguré en février 2019 l’espace Degré Est, s’est saisi d’extraits des plantes du jardin du Frac Lorraine, afin de révéler leurs couleurs aux rayons du soleil alsacien.
Cette édition-coffret comprend 10 anthotypes sur papier épais accompagnés de 10 enveloppes en papier calque imprimées.
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L’anthothype, procédé photographique découvert au XIXe s’appuie sur les propriétés photosensibles des plantes, en l’occurrence celles du jardin du Frac Lorraine, ici exposées aux rayons du soleil d’Alsace dans l’atelier de l’artiste pour produire ces images.
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_{Née en 1970 à Livry-Gargan (Seine-Saint-Denis), Silvi Simon vit et travaille à Strasbourg. Après une formation en arts plastiques à l’Université des sciences humaines de Strasbourg, elle étudie le cinéma d’animation à l’École nationale supérieure des arts visuels de La Cambre à Bruxelles. Parallèlement, elle suit des formations aux Ateliers MTK, laboratoire cinématographique artisanal situé à Grenoble. En 1991, elle co-fonde le collectif Burstscratch à Strasbourg, qui oeuvre pour la création et la diffusion du cinéma expérimental sur pellicule argentique. Ses dernières expositions personnelles ont eu lieu à la galerie Sit Down (Paris) au CEAAC et à la Galerie Yves Iffrig (Strasbourg).}

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Exposition Degrés Est

Depuis plusieurs années, Juliette Mock collectionne des photographies de jambes masculines. Les photographies sont brutes et ne signifient rien. Prises en selfie par leur propriétaire à la demande de l’artiste, les jambes apparaissent dans toute la distorsion due à une prise de vue trop rapprochée, elles sont démesurément trop grandes, les cuisses un peu trop grosses, les mollets trop longs, les pieds ridicules, presque toujours à l’équerre d’ailleurs. Ce sont des photos plates, souvent pixélisées et pour cause. Qu’importe, ces jambes présentent deux intérêts pour Juliette Mock
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L’édition propose une vision du travail quotidien, de l’atelier et des œuvres déjà créées, en partant des collections d’images, de textes, de sources et de références faites par l’artiste depuis plusieurs années. Cette pratique de manipulation des images est une constante chez elle. Chaque image a ainsi une vie propre dans son atelier ; au gré des jours, elle se trouve pliée, tâchée, cornée, les couleurs se fanent. Elles s’auto-manipulent en quelque sorte. Puis l’artiste les scanne et les stocke dans son ordinateur.
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_{Juliette Mock, née en 1992 est diplômée de l’ESAD de Reims. Elle a bénéficié d’une résidence de deux ans dans la friche artistique de Reims. Elle vit et travaille entre Le Mesnil-sur-Oger et Montreuil..}

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Exposition Degrés Est

Human Resources curated by invited curator Virginie Jourdain, provided the opportunity to take an interest in the conditions of art work. Here to, in the form of a publication, it became essential to explore the reality of art work through lived experiences, adopting a feminist perspective and taking a position with regards to the question of precarity and invisible labour.
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~Virginie Jourdain is an artist, independent curator and exhibition coordinator at the self-managed, non-hierarchical feminist art center La Centrale Galerie Powerhouse in Montreal (CA). Guided by an intersectional feminist analytical framework, she is interested in the institutionalization of hierarchies and in the criteria for valuing and othering in art.

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Read the publication online
”(pdf)Ressources humaines“http://www.fraclorraine.org/media/RH-PUBLICATION-complet-190221-F.pdf

On the occasion of the first French retrospective of the work byNil Yalter, 49 Nord 6 Est invites you to discover over a dozenpieces by this firmly engaged artist of Turkish origin, most ofwhich have never been shown on the national artistic scene!-A voluntary exile, Nil Yalter (1938, Cairo, Egypt), settled inParis in 1965. She is a pioneering, spirited, and original artistmotivated by social and political convictions. She creates hybridworks that combine video, painting, drawing, photography, colla-ge, as well as performance and installation. Rooted in conceptualart, her work does not reject either form or materiality and, inits singular approach, eludes the contemporary artistic canons.

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A poet of light, Doug Wheeler creates atmospheres of a rare sensuality. Since the 1960s, the famous American artist has been unhinging our senses and guiding us to inhabit moments of liminality, instants of suspension in pure light. This catalogue documents Doug Wheelers’ first solo exhibition in Europe, which has taken place in 2012 at Frac Lorraine. The texts go with some views of the exhibition as well as the installation plans of the artworks.

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Présentée sous la forme d’une liste alphabétique de titres d’œuvres, d’expositions et d’arrêts de visite-performance, cette publication monographique rétrospective entend révéler la densité de la recherche artistique du duo qui a pris pour sujet la ville et les espaces qu’elle réserve à l’improvisation et aux lignes de fuite. Une édition complétée du premier numéro du journal SONG réalisé par Dector et Dupuy.

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Like the beings it brings to life, SF is metamorphic, sprawling, and elusive. Consequently, this glossary can’t pretend to elucidate its origin or clarify its definition. Rather, it’s a question of exploring the wonderful diversity of SF through the eleven iterations of the Metz Festival. This glossary is thus meant to be read in a non-linear manner: terms followed by an asterisk have their own specific entry, whereas arrows cross-reference other terms.

This little glossary is a gift to all the generations who grew up with Philip K. Dick and Ursula Le Guin.
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49 Nord 6 Est – Frac Lorraine Production at the occasion of the exhibition « Si ce monde vous déplaît…», 09/11/13 – 09/02/14

Bringing together artists from different parts of the continent, this group exhibition strives to define and articulate notions of feminism and sexuality in the work of women artists whose body (their own or that of others) serves as a tool, a representation or a field of investigation. The critical resonance of a specifically African – and black – feminism, together with the spread of artistic practices to international networks, have given shape to the development of a black feminist art. Stemming from the continent and the Diaspora, this black feminist art depicts bodies that continue a tradition of activism and freedom of speech.

_{Texts: Sarah Adams, Eva Barois De Caevel, Ken Bugul, Frieda Ekotto, Koyo Kouoh, Lesego Rampolokeng, et Alya Sebti, and Foreword by Béatrice Josse, Åsa Nacking et Dirk Snauwaert.}
~Editors: RAW Material Company, WIELS, Lunds konsthall, 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine & Motto Books
Edited by Koyo Kouoh~
_{Graphic Design: Rasmus Koch Studio
Distribution: Motto.}

As an artists’ book, Aftershow engages with the recent film installations of Pauline Boudry/Renate Lorenz.

Installation shots, research material, scripts, and film stills give an insight into the artists’ investigation of performance in film and their dense net of references to experimental film, the history of photography, sound, and underground (drag) performances. The book’s title alludes to an interest in opaque events that are belated, left backstage or off-screen. A number of (fictitious) letters to friends and collaborators such as Sharon Hayes, Yvonne Rainer, Ginger Brooks-Takahashi, and Jack Smith place the work of Boudry & Lorenz in a context of debates around temporalities, activism, the archival, decolonizing practices, and queer histories.

Published following the exhibition “Patriarchal Poetry” at the Badischer Kunstverein, September 27– November 24, 2013.
Design by Müller & Wesse with Luise Bartels

A mother tongue, a foreign tongue, an official, endangered, or pidgin language… Whatever category it falls into, not only is language a medium of communication, but it also filters our experience of the world. Through language, there arise the questions of culture, power, and identity. So if “the limits of my language mean the limits of my world” (Wittgenstein), it’s about time to break those boundaries…

The Translator’s Voice“ is the winning project of the Award for Young Curators 2014 MARCO / FRAC Lorraine / SFKM.

Editor: Martin Waldmeier.Graphic design: Fontarte, Warszawa (PL)

Environmental movements, which emerged in the 1960s [1] in response to the excesses of the consumer society and sprawling industrialization, have fundamentally transformed our relation to the world. They have managed to imprint in our consciousness the idea that human beings are responsible for the general degradation of the planet. Millennial oral traditions are becoming extinct, and, along with them, entire segments of human culture and history pass into oblivion.
Following the stream of water in order to grasp the thread of life, this publication tries to renew the vital connection between the human and the Earth.

_{1— Silent Spring by Rachel Louise Carson appeared in 1962. This book was a bestseller which popularized the term “ecology” in the United States.}
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Première monographie de l’artiste Antonia Baehr. Sorte d’abécédaire de la bestialité, l’artiste questionne dans cet ouvrage la norme et notre relation à l’animal et animalité.
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D’abord imaginé pour la scène, l’artiste a invité ses ami(e)s à écrire des partitions chorégraphiques pour elle, basées sur un abécédaires d’animaux disparus: D comme dodo, T comme tigre de Tasmanie, S comme Steller’s sea cow (la rhytine de Steller)... Les auteur(e)s choisissent un animal avec lequel elles/ils ont une affinité. Il en résulte une série de miniatures chorégraphiques hétéroclites qui reflètent leur relation respective à l’animal choisi ainsi que leur amitié avec Antonia Baehr. Pour réaliser le livre Abecedarium Bestiarium, la chorégraphe a demandé aux auteur/e/s de proposer une contribution. Chacune d’elle constitue un chapitre de l’abécédaire et est accompagnée d’une gravure représentant l’auteur/e en double portrait avec l’animal disparu associé. Aussi bien le spectacle que le livre s’appréhende de manière autonome.

En jouant des phénomènes d’apparition et de disparition dans son œuvre, Marco Godinho s’intéresse aux frontières complémentaires entre le visible et l’invisible, le tangible et l’aléatoire, pour questionner notre rapport à la vie, l’idée même de présence et d’absence, de mémoire et de réminiscence, du temps qui passe et de la recherche infinie de sens dans un monde de plus en plus incertain.

Alex Cecchetti knows that “a story is an object, but one that does not take any space for storage, or not as much as a painting or a sculpture.” Indeed, the story of Marie and William, a performance by the artist, assumes the shape of a book. The content—photography, drawings, and captions—is stylishly arranged on the pages, visually akin to a collage—scanned, not 3D-printed. The story is rendered flat, but like so many stories captured in surfaces, it deals with movement. “Think of a dance manual, or a script made of stills. In fact, it does not even know it is a book, it thinks itself to be a record on a turn table.”

A MIDI book. MIDI is an imprint of Mousse Publishing directed by Åbäke.

An introspective, meditative immersion, in the company of visual artists and musicians, aimed at experiencing a fourth temporality: neither the past nor the present, nor the future, but a vibrating dimension of “between parentheses”.

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To walk into a three-dimensional book: this we are invited to
do by Anja Isabel Schneider who regards her exhibition as a
reading in itself, subject to interruptions and suspensions
generated by the architecture of the place. The selected works
examine the relations and interactions between the text and the
reader, the condition, the act, and the process of reading
which give rise to meaning.

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The first retrospective of the South-African artist in Europe. On this occasion, Berni Searle has been commissioned to create a new work, shot in Brugges. Interlaced, a triple screen video installation, in which the artist performs with gold leafed hands and black lace, could allude to the dark side of the history of the Belgian Congo, but also expresses a deeper sense of loss while questioning the status quo.
A trilingual catalogue outlines the origins of the film Interlaced and inscribes it in the broader context of Berni Searle’s work.

_{Texts by: Mirjam Westen, Julie McGee, Michel Dewilde
Graphic design: Joann & Sisters}

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The Timeline commonly governs our concept of History… with a beginning and an end! But what if its implacable logic is nothing but an illusion? Linear time, circular time, reversible time are all different ways of thinking of and dreaming the world and of putting an end to apocalyptic visions!

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The eleven artists featured in the exhibition The Aesthetic of the Poles: A Testament of Ice at the FRAC this winter, will present a range of reflections and testimonies which, by confronting man with nature and himself, compel us to consider our own individual and collective responsibilities.
A catalogue in which initiatory journey and social utopias meet, and Being, once more becomes human. Buy it before it’s gone!
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Forever exists by virtue of the convention which ties the artist to the FRAC Lorraine. The work takes the form of a webcam installed in one of the exhibition halls which potentially allows the artist to observe, non-stop and forever, whatever does or doesn’t happen in the room.

Permanent work

On the occasion of the exhibition Volando hacia la tierra / Flying down to Earth, MARCO and FRAC Lorraine have published a quatrilingual catalogue (Galician-Spanish-French-English) edited by Inti Guerrero which brings together a number of essays by: Lucy Lippard, Cuauhtémoc Medina, Cosmin Costinas, Álvaro Díez Astete and Rasha Salti; artist’s text by José Alejandro Restrepo as well as the peculiar aesthetic, psychological and social theses by renowned playwright Samuel Beckett and controversial avant-garde artist Flávio de Carvalho.

_{Texts by: S. Beckett/A. Schneider, F. de Carvalho, C. Costinas, A. Díez Astete, I. Guerrero, L. Lippard, C. Medina, J.A. Restrepo, D. Rodrigues Amaro, R. Salti
Edition: MARCO – Museo de Arte Contemporánea de Vigo
Design: Dardo ds (Cristina Moralejo)}

The “errorist” movement denounces modes of conduct based solely on language and vision. The surveillance camera has invaded public places, turning everyone into virtual culprits. But it also represents a dream
of a society without phantasms, without secrets.
A unique occasion to be filmed as you wish.

http://arterroriste.pagesperso-orange.fr/videosurveillance.html

_{Art erroriste : Lionel Mallegol was born in 1969, Céline Matal was born in 1970. They live in Lannion (FR).}

Revealing poetic aspects of certain physical phenomena, Edith Dekyndt’s video invites us to contemplate in silence a transparent flag. Floating in the air, its body mingling with the sky as if the flag were its
emblem, it becomes one with its background. Gradually diluting it to the point of invisibility, the artist unfolds an infinite landscape before our eyes. Denouncing systematic land appropriation, Edith Dekyndt invents
a new territory: that of boundless imagination.

_{Poster realized from the video One second of silence (Part 01, New York), 2008 of Edith Dekyndt – Frac Lorraine Collection}

In order to prolong the state of weightlessness inspired by the exhibition, to preserve a trace of these ephemeral and poetic encounters, and ease your return to reality…
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Carrying on from the 2 or 3 things I don’t know about her [2 ou 3 choses que j’ignore d’elles] exhibition, held in the spring of 2007, Frac Lorraine continues looking into notions of feminism, post- feminism and gender through a publication which is planned, not as a definitive or reference work, but as the reflection of the diversity of possible approaches and ways of thinking.
This project is conceived on the lines of a manifesto and includes 18 singular opinions, 18 views and commitments over a definition or a keyword specific to each contributor. The choice of writers, the opening up to authors working in different areas (artists, art critics, sociologists, writers, etc.), the European dimension of
these guests, echoes the work done by the Frac in recent years and to a constantly reasserted determination to sidestep the idea of any single view or thinking.
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The Moment that Never Ends…
Frail faces drawn in indian ink on a butterfly’s wings, gouache drawings on carbonized paper, crystal coats of armour, scenes and figures engraved with a pen nib in the lampblack of a crystal glass (...), Patrick Neu’s works are so many exercises in “sculptural funambulism”, combining “ambition and levity, apparent insignificance and gravity, perfect modesty and utter technical mastery” (Didier Semin). Challenging to our imagination, our understanding, his works cannot be reduced to their virtuosity and seduction. They offer first and foremost a meditation on time, a reflection on the transient, on the unavoidable and unforeseeable instability of things and of the moment.
This book reviews Patrick Neu’s career, and an œuvre in which “visual magic makes way for a lucidity that is the reverse of any re-enchantment” (Frédéric Wecker, art 21, winter 2008). This is the first monograph devoted to his work.
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Pensés, imaginés et conçus spécifiquement par les artistes, les multiples sont des œuvres éditées en plusieurs exemplaires. Le Frac Lorraine porte un regard particulièrement attentif à cette forme de création artistique. Leur économie de moyen les rend accessibles à tous. Une belle manière de soutenir la création… et un premier pas vers la collection !

Nombre d’œuvres de David Renaud prennent la forme de cartes, maquettes ou plans-reliefs, constituant peu à peu un atlas multiforme. Nul besoin de pays fantaisiste pour donner pied à notre imagination. L’artiste se contente de nous faire (re)découvrir des espaces inhabités ou désertiques, à nous laisser rêver sur des destinations aux noms évocateurs, à nous laisser donner corps et sens à des aplats de couleur, à des espaces infinis, à des creux et des vides qui tous renvoient à une histoire humaine.

L’île de la Déception (62°57°S 60°36°W) est située aux portes de la Péninsule Antarctique.

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A little more Shangri-La anyone? Extend your stay in the “Country of the sacred and of peace”, on the heights of Everest, with the show’s little red book. The artists guide us along paths leading to the ideal city and invite us to see whether Utopia is still alive and well there, and peace flourishing.
However, watch out for clichés: the artists rethink and take over this Asian, historical and philosophical heritage, up to and including the recent utopian and revolutionary offshoots, confronting us along the way with the ideological and exotic dimension of our view, thie eternal western model through which we seek to interpret the world.
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What alternatives, what recourse do we have when faced with the prevailing images and information and the official rhetoric? How can we go about conveying and testifying to what is going on Now, Here, Over There in a different way? Lida Abdul (Afghanistan) and Tania Bruguera (Cuba) respectively engage in a reflexion on their country’s situation. They break with the distancing of images and set about finding an answer, in the form of an action, performance, or physical commitment, whether it be through the artist’s body or that of the
viewer enlisted as a player.
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The book, seen as a space for reflection, takes a look back at some sixty key works in the Frac Lorraine collection. With productions by female artists, protocols for context-sensitive reactivation, performances, cinema and dance, the works question the very notion of the collection and attempt to roll back the limits to it.
This reflection is indissociable from the production work done by the Frac Lorraine; from its inscription within the public space of the region, to special interventions on site at 49 Nord 6 Est, up to the invitation extended to artists within the space of the page, the book recalls the important stages in the life of the institution!
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Antipodes plunges us into a redrawn landscape: from marine expanses to distant constellations, from minerality to the ethereal shapes of imaginary or real islands, the landscape is blurred in large-scale confusion. Certainties make way for new universes that question how we take in the world and the arbitrariness of conventions.
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In this high-speed age of information in real time, artists are inventing new time patterns. Making us think how absurd our conventions for measuring time are, questioning our rational systems, they suggest possible shifts, fresh approaches and – why not? – parallel dimensions of time.
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Pensés, imaginés et conçus spécifiquement par les artistes, les multiples sont des œuvres éditées en plusieurs exemplaires. Le Frac Lorraine porte un regard particulièrement attentif à cette forme de création artistique. Leur économie de moyen les rend accessibles à tous. Une belle manière de soutenir la création… et un premier pas vers la collection !

Starmaps est une carte topographique de la ville de Metz et de ses environs réinterprétée à la manière d’une carte du ciel. Proposée par Neal Beggs, imprimée sur papier type IGN, la carte transcrit ce territoire dépourvu de toutes ses informations usuelles car complètement recouvert de noir et ponctué de quelques points blancs figurant les « sommets » de Metz. Elle s’accompagne d’une note d’intention de l’artiste et est pliée à la manière d’une carte topographique classique.
Le projet, avec un grand sens poétique, joue sur l’interchangeabilité possible du vertical / horizontal – et sur la confusion sommets / constellations. Cet objet, original et poétique, offre une vision pour le moins inédite et astronomique de notre territoire…

Le Frac Lorraine figure parmi les points puisque sa présence sur la Colline Ste-Croix en fait l’un des points « culminants » de Metz !

_{Neal Beggs, né en 1959 à Larne, Irlande du Nord (GB). Vit et travaille à Chevru (FR)}

A monograph dedicated to Teresa Margolles’s radical existential projects in Frac Lorraine and Centre d’art contemporain in Brétigny in Spring 2005. Revisiting the codes of minimal and conceptual art, Teresa Margolles introduced death among the living and reinvented the modern vanity.
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This catalogue is sure to take you out of the routine with something exotic as it explores Switzerland and the Swiss mountains in people’s imagination! Quand les latitudes deviennent suisses (When Latitudes become Swiss) focuses on a questioning of the ideal view of the mountain and its landscape. Underlining the natural / artificial relationship, the installations and works contribute to the deconstruction of one idea of the sublime, even though the sublime is what we’re looking for.

The catalogue invites us to mull over questions addressed in the exhibition regarding notions of physical and mental limits, and to think about the way monumentality continues to haunt contemporary art and architectural practices.